Kalligrafie in Kunst verwandeln
Tinte vermittelt die Schönheit Japans
Subtile Schattierungen der Tinte evozieren einen gesamten Kosmos über leeren Raum hinweg. In der ersten Ausgabe 2026 des Presage Museum erkunden wir die ausdrucksstarke Welt, die jenseits der Kalligrafie existiert, mit dem Kalligrafen und zeitgenössischen Künstler Goshow und fangen den Moment ein, in dem sich die traditionelle japanische Ästhetik zu kühnen neuen Formen entwickelt.
Uhren verweben die Zeit. Kalligrafie schreibt sie ein.
An dieser stillen Schnittstelle der Disziplinen entdecken wir eine Resonanz mit der Presage Classic Series und ihrer Verkörperung zeitloser japanischer Schönheit.
Goshow,
Kalligraf und zeitgenössischer Künstler
Goshow
Kalligraf und zeitgenössischer Künstler
Indem er Kalligrafie zur Kunst erhebt und ihr grenzenloses Ausdruckspotenzial freilegt, betrachtet Goshow die Kalligrafie nicht als etwas, das lediglich bewahrt, sondern kontinuierlich weiterentwickelt werden soll. Durch die Kombination der beiden entgegengesetzten Handlungen des Zeichnens und des Entfernens verfolgt er neue Ausdrucksformen, die die Definition der Kalligrafie selbst erweitern.
Für unsere erste Ausgabe des Jahres 2026 besuchen wir gemeinsam mit dem Navigator Chris McCombs, einem langjährigen Beobachter und Interpreten der japanischen Kultur, das Atelier von Goshow, der diese Ausgabe der Presage Museum-Serie leitet, indem er die Stimme des Künstlers mit einer umfassenderen globalen Perspektive verbindet. Durch diesen Dialog erkunden wir die Schnittstelle der in der Kalligraphie eingebetteten Sensibilitäten und der raffinierten japanischen Ästhetik, die durch die Presage Classic Series verkörpert wird.
Navigator
Chris McCombs
Kalligraphie zur Kunst erheben
Chris:Goshow, ich war überrascht zu erfahren, dass Kalligraphie in Japan im traditionellen akademischen Sinne nicht als bildende Kunst betrachtet wird.Das scheint fast unmöglich zu glauben.
Goshow:Es hat mich ehrlich gesagt auch überrascht. Obwohl die Kalligraphie tiefe Wurzeln in der japanischen Kultur hat, bieten Institutionen wie die Tokyo University of the Arts keine Kalligraphie als Hauptfach der bildenden Kunst an. Praktiken wie Kalligrafie, ikebana und die Teezeremonie waren einst zentral für unsere Kultur, doch als Japan sich modernisierte und westliche Rahmenbedingungen übernahm, wurden diese Disziplinen aus der formalen Definition von Kunst verdrängt.
Chris:Das ist herzzerreißend. Und dennoch haben Sie es sich zur Aufgabe gemacht, diese Wahrnehmung zu verändern.
Goshow:Genau. Ich möchte nicht, dass Kalligraphie lediglich als „Kulturerbe" überlebt. Das würde bedeuten, sie mit Subventionen zu bewahren, während ihre Rolle in der Gesellschaft schwindet. Ich glaube, dass sich Kalligraphie weiterentwickeln kann. Sie kann unsere Zeit ansprechen. Deshalb habe ich begonnen, mich nicht nur als Kalligraph, sondern als zeitgenössischer Künstler zu bezeichnen.
Chris:Dieser Übergang muss entmutigend gewesen sein. Wie haben Sie Ihre Stimme in der Kunstwelt gefunden?
Goshow:Jeder geht davon aus, dass Kalligrafie bedeutet, Tinte auf Papier aufzutragen. Doch historisch gesehen haben Menschen Schrift in Materialien wie Knochen oder Stein eingraviert. In diesem Sinne liegt der Ursprung der Schrift näher am Schnitzen als am Zeichnen. Und so begann ich, mit subtraktiven Techniken zu experimentieren, wie etwa dem Abschaben der Oberfläche, um Form freizulegen. Es wurde zu einer Metapher für Präsenz und Abwesenheit, Stimme und Stille.
Eine Studie über Prozess und Zeit
Chris:Eine Sache, die ich bewundere, ist, wie überlegt Ihr Prozess ist. Ich habe gelesen, dass Sie die Schaffung eines Werkes mit dem Verfassen einer Dissertation verglichen haben.
Goshow:[lacht] Das stimmt. Bevor ich überhaupt beginne, verbringe ich Monate damit, zu lesen, zu denken und das zu entwerfen, was ich den „Entwurf" nenne. Diese Phase allein kann bis zu zwei Jahre in Anspruch nehmen.
Chris:Und das ist, bevor die physische Ausführung überhaupt beginnt?
Goshow:Das ist richtig. Ich habe sehr viel Zeit darauf verwendet, die Tinte selbst zu entwickeln – es dauerte drei Jahre, bis sie perfekt war. Ich habe auch Dutzende von Papiersorten getestet, und die Auswahl des richtigen Papiers nahm zwischen ein und zwei Jahren in Anspruch. Die Materialien, die ich jetzt verwende, sind nicht das übliche washi. Sie sind wasserbeständig, sodass ich die Tinte manipulieren kann, bevor sie trocknet, indem ich sie wegwische, verdünne und sie manchmal später abkratze.
Chris:Dieser Moment, der zwischen Tinte und Oberfläche geteilt wird, ist flüchtig. Ephemer.
Goshow:Ja. Die Zeit ist gewissermaßen mein Medium. Die Trocknungsgeschwindigkeit, die Absorption, die Temperatur der Luft... all dies beeinflusst das Ergebnis. Man kann ein Werk nicht wiederholen. Jedes einzelne ist einzigartig, weil die Zeit darin eingebettet ist.
Schönheit in Ausgewogenheit und Bescheidenheit
Chris:Wann spüren Sie am meisten, dass Sie japanischer Schönheit begegnen?
Goshow:In ruhigen Momenten. Eine einzelne Linie in einem weiten Raum. Ein altes Werkzeug, von der Zeit glatt geschliffen. Eine stille Straße nach dem Regen. Japanische Schönheit findet sich oft in dem, was nicht ausgesprochen wird, in dem, was mit der Zeit gealtert ist. Sie existiert in Zurückhaltung und Geschichte.
Chris:Das erinnert mich an die Presage Classic Series. In ihrer Subtilität liegt Kraft. Nichts schreit heraus, aber alles hallt nach.
Goshow: Das habe ich auch empfunden. Sie versucht nicht zu beeindrucken, aber sie hinterlässt einen Eindruck.
Chris:Die Presage Classic Series bringt die japanische Schönheit wahrhaftig zum Ausdruck. Insbesondere schöpft sie Inspiration aus Seidenfäden und gewebten Textilien, und der Ausdruck auf dem Zifferblatt ist unglaublich raffiniert.
Goshow:Ja, sie versucht nicht, Seide selbst auf eine buchstäbliche Weise nachzubilden. Stattdessen erfasst sie etwas Wesentlicheres – die Präsenz von Seide, ihre subtile Atmosphäre, sogar ihre Erinnerung. Diese Art von Ausdruck fühlt sich für mich zutiefst japanisch an. Es handelt sich um einen sehr authentischen Ansatz in der Uhrmacherkunst.
Chris:Um dieses sanfte Formgefühl zu erreichen, sind die Zeiger und Indizes tatsächlich gebogen, um der Kontur des Zifferblatts zu folgen.
Goshow:Das ergibt vollkommen Sinn. Ich empfand die Uhr als vollständiges einzelnes Werk, und nun verstehe ich, weshalb. Jedes Element ist entlang derselben Kurve geformt, und anstatt miteinander zu konkurrieren, existieren sie in Harmonie. Deshalb empfinde ich eine so starke Verbundenheit zwischen dieser Uhr und meiner eigenen Arbeit.
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„Nach meinem Besuch auf Teshima habe ich die Klänge der dortigen natürlichen Umgebung aufgezeichnet. Ich habe die Frequenzen innerhalb dieser Aufnahmen analysiert und dieses Werk auf der Grundlage der daraus entstandenen Formen geschaffen. Dieses Stück ist ein Versuch, Stimmen, die nicht gehört werden können, eine Gestalt zu geben.“ - Goshow
(Von links) TESHIMA #16 ~2025.8.7~ / 803mm×803mm / originale Tinte und Sand von Teshima auf Papier / 2025、TESHIMA #2 ~2025.10.18~ / 803mm×803mm / originale Tinte und Sand von Teshima auf Papier / 2025、TESHIMA #2 ~2025.12.1~ / 803mm×803mm / originale Tinte und Sand von Teshima auf Papier / 2025 -
„Dieses Werk erfasst die bioelektrischen Wellenformen, die von Pflanzen ausgesendet werden, und stellt sie als "Sprache" dar. Es lädt den Betrachter ein, den unverkennbaren Stimmen, die in der Stille wohnen, aufmerksam zuzuhören.“ - Goshow
Waveform ~34.3193,134.0374~ / 652mm×455mm / Originaltusche auf Papier / 2025 -
„Durch das Abwischen von Tinte entstanden, offenbart dieses Werk Bereiche von "Weiß", die durch die Komposition hervortreten. Dieses Weiß – das ich als "ein Weiß jenseits des Weißen" bezeichne – repräsentiert die Essenz der "Existenz", die ich weiterhin zu ergründen versuche.“ - Goshow
Existence #30 / 652mm×455mm / Originaltusche auf Papier / 2025 -
„Indem dieses Werk natürliche Bewegungen wie das Verlaufen und Reißen von Tinte isoliert und sie mit fotografischer Klarheit präsentiert, hinterfragt es die Grenzen dessen, was wir als authentisch wahrnehmen.“ - Goshow
Natural #35 / 1455mm×894mm / originale Tinte auf Papier / 2024
In der ersten Folge des Presage Museum 2026 treffen Kalligrafie und Uhrmacherkunst durch eine gemeinsame Sensibilität für Zeit, Material und stille Schönheit aufeinander. In Goshow Atelier offenbart sich Tinte als ein lebendiges Medium, das Bewegung, Atem und Abwesenheit festhält, während sein sich entwickelnder Ansatz zur Kalligrafie das Gleichgewicht von Tradition und Innovation bei Presage widerspiegelt. Zusammen beleuchten diese Dialoge eine ausgeprägt japanische Ästhetik: eine, die Schönheit in der Subtraktion und der Akkumulation von Zeit findet.
Eine Reise durch die
japanische Schönheit
Kagawa
Die Entdeckung der Essenz lebendiger, atmender japanischer Schönheit in Kagawa Natur und Kultur.
Die natürliche Schönheit und
Kultur der Präfektur Kagawa
Eingebettet entlang der sanften Küsten des Seto-Sea ist die Präfektur Kagawa eine Region, in der Natur und Kultur in stiller Pracht harmonieren. Die Landschaft reicht von dramatischen Küstenfelsformationen und ruhigen Inselpanoramen bis hin zu pinienbedeckten Gärten und bewaldeten Schluchten. Saisonale Schönheit entfaltet sich das ganze Jahr über, von den Kirschblüten im Frühling bis zu den leuchtenden Ahornblättern im Herbst. Doch Kagawa ist nicht nur malerisch; es ist ein lebendiger Ausdruck der ästhetischen Werte Japans. Traditionelle Praktiken wie die bonsai-Kultivierung und das Brauen von Sojasoße wurden über Generationen hinweg bewahrt, während zeitgenössische Kunstgemeinschaften – wie jene auf Naoshima – der Region kulturelle Tiefe verleihen. Hier befinden sich die menschliche Kreativität und die natürliche Umgebung in einem fortwährenden Dialog, der ein Gefühl stiller Verfeinerung hervorbringt, das durch den Alltag hindurch nachhallt.
Von oben betrachtet ist der Ritsurin-Garten ein poetisches Zusammenspiel von Wasser, Brücken und geformten Kiefern. Über mehr als ein Jahrhundert hinweg von den Lehnsherren der Takamatsu-Domäne angelegt, wurde dieser Wandelgarten aus der frühen Edo-Zeit so gestaltet, dass er wie eine Schriftrolle erlebt werden kann, die sich Szene für Szene entfaltet. Im Vordergrund gleitet ein traditionelles Boot über den Nanko-Teich und verkörpert die stille Harmonie zwischen menschlicher Kunstfertigkeit und natürlicher Schönheit. Mit dem Mt. Shiun, der sich in der Ferne als Teil der Kulisse erhebt, zeugt hier jedes Element von dem japanischen Ideal verfeinerter, nachdenklicher Eleganz.
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Kikugetsu-tei, das am Südteich im Ritsurin-Garten liegt, empfängt seit der Edo-Zeit (1603-1868) Feudalherren und Dichter. Der Name bedeutet "den Mond schöpfen" und erinnert an eine Zeit, in der Feudalherren die Spiegelung des Mondes im Wasser bewunderten und damit poetisch die Harmonie zwischen menschlicher Präsenz und der natürlichen Welt zum Ausdruck brachten.
Der Ritsurin-Garten beherbergt über tausend sorgfältig gepflegte Kiefern, von denen jede einzelne mit über Generationen überlieferten Techniken von Hand beschnitten wird, wodurch die Bäume zu anmutigen Silhouetten geformt werden. Diese stille Arbeit spiegelt ein grundlegendes Prinzip der japanischen Ästhetik wider: die Form der Natur zu betonen, ohne sie zu überwältigen.
Die ruhigen Gewässer der Seto-Sea wiegen eine Konstellation von Inseln, von denen jede eigene Schönheit und Charakter besitzt. Von der künstlerischen Hochburg Naoshima mit ihrem ikonischen „Red Pumpkin" bis zur gezeitenbedingten Magie der Angel Road auf Shodoshima bietet die Region eine Verbindung von natürlicher Pracht und kulturellem Reichtum.
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Vor der Küste von Shodoshima gelegen, ist Angel Road eine natürliche Sandbank, die bei Ebbe zum Vorschein kommt und vier kleine Inseln miteinander verbindet. Paare gehen Hand in Hand über den Pfad, inspiriert von der Legende, dass gemeinsames Überqueren dauerhafte Liebe bringt. Seine Schönheit liegt sowohl in der Landschaft als auch in der flüchtigen Natur seiner Präsenz.
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Durch vulkanische Aktivität und Zeit geformt, ist die Kankakei-Schlucht eine der malerischsten Schluchten Japans. Ihre dramatischen Felsformationen und Panoramablicke über das Seto-Sea vermitteln ein eindrucksvolles Gefühl von Ausmaß und Naturgewalt und bieten eine Landschaft, die durch Zeit und geologische Bewegung geformt wurde.
Yayoi Kusama ikonischer „Red Pumpkin" empfängt die Besucher am Hafen von Miyanoura und verbindet spielerische Leichtigkeit mit kraftvoller visueller Wirkung. Sein gepunktetes Äußeres lädt die Betrachter ein, ins Innere zu treten, und symbolisiert Naoshima Engagement für eine Kunst, die zugleich immersiv und zugänglich ist. Als geliebtes Wahrzeichen bestimmt es den Charakter der Insel, wo zeitgenössische Kreativität und Alltagsleben miteinander verschmelzen.
Schwebend zwischen land und Meer ist der Naoshima Pavilion ein geometrisches Stahlgitter, das zur Interaktion und Reflexion einlädt. Entworfen von dem Architekten Sou Fujimoto, verkörpert diese Installation aus dem Jahr 2015 die Philosophie der Insel: zeitgenössische Kunst, öffentlicher Raum und natürliche Schönheit verschmelzen zu einem offenen, sich ständig wandelnden Erlebnis. Besucher können frei hineingehen und Teil des Kunstwerks werden.
Shodoshima ist bekannt als die Geburtsstätte des industriellen Olivenanbaus in Japan. Der im Jahr 1919 gegründete Shodoshima Olive Garden feierte 2019 sein hundertjähriges Bestehen und spielte eine Pionierrolle in der Entwicklung des japanischen Olivenanbaus. Auf dem Gelände befinden sich noch heute ursprüngliche Olivenbäume, die weiterhin Früchte tragen. Der Park verfügt zudem über Restaurants und Geschäfte, die es den Besuchern ermöglichen, die Olivenkultur von Shodoshima aus verschiedenen Perspektiven zu erleben.
Gesegnet mit einem milden, mediterranähnlichen Klima, ist Shodoshima ideal für den Anbau von Oliven. Lange Sonnenstunden, sanfte Meeresbrisen und mineralreicher Boden erzeugen ein tiefgründig aromatisches Olivenöl. Von Hand geerntet und mit Sorgfalt kaltgepresst, wird das Olivenöl der Insel für seine geschmeidige Textur und sein exquisites Aroma geschätzt.
Der auf einem Hügel mit Blick auf die Seto-Sea gelegene Olive Park lädt Besucher dazu ein, Haine silberblättriger Bäume zu erkunden, frische Olivenprodukte zu probieren und sich an der griechisch inspirierten Landschaft zu erfreuen. Mit seiner weißen Windmühle, den Kräutergärten und dem weitläufigen Küstenblick ist es ein Symbol für die blühende Olivenkultur der Insel.
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Berühmt für seine zähe Textur und seinen reichhaltigen Geschmack, ist Sanuki udon das Grundnahrungsmittel von Kagawa, bekannt als die "Udon-Präfektur". Von Hand geknetet aus lokal bezogenem Weizen, Salz und Wasser, werden diese dicken Nudeln geschnitten und in einer Vielzahl von Varianten serviert, von einfachem kake-udon in klarer Brühe bis hin zu reichhaltig gewürzten Dipping-Versionen. Udon-Geschäfte sind in das Gefüge des täglichen Lebens hier eingewoben und bieten eine erschwingliche und sättigende Mahlzeit mit tiefen kulturellen Wurzeln. Ob genossen an einem belebten Selbstbedienungsstand oder in einem ländlichen Gasthaus, Sanuki udon verkörpert die Wärme und Einfachheit der regionalen japanischen Küche.
Eine Kagawa-Spezialität, wird honetsukidori brutzend direkt vom Grill serviert. Der oya-dori (adulter Vogel) bietet einen kräftigen Geschmack und einen festen Biss, während der hina-dori (junger Vogel) zart und saftig ist. Dieses geteilte Bild präsentiert den köstlichen Kontrast zwischen zwei Texturen, zwei Geschmacksrichtungen und einer geliebten Tradition, die in der izakaya-Kultur von Takamatsu verwurzelt ist.
In Shodoshima Shoyu no Sato („Sojasaucen-Dorf") brauen Handwerker weiterhin Sojasauce auf traditionelle Weise – in turmhohen sugi-oke Zedernfässern. Mit Sorgfalt fermentiert und langsam gereift, zeichnet sich die nach dieser jahrhundertealten Methode hergestellte Sojasauce durch reichhaltige, komplexe Aromen aus, die das traditionsreiche Handwerk der Insel und den tiefen Respekt vor den Rhythmen der Natur widerspiegeln.
Kagawa Olive hamachi – Gelbschwanz, der mit einer Futtermischung aufgezogen wird, die lokal angebaute Olivenblätter enthält – wird für seine feste Textur, seinen reinen Geschmack und seine gesundheitsfördernden Eigenschaften geschätzt. Die antioxidativen Eigenschaften der Oliven mildern die Bitterkeit des Fisches und erzeugen einen reichhaltigen, befriedigenden Geschmack, der der Innovation und dem Terroir der kleinsten Präfektur Japans würdig ist.
Oliven-gefüttertes wagyu aus Kagawa verbindet Tradition und Innovation. Aufgezogen mit Futter, das gepresste Oliventrester aus der lokalen Olivenölproduktion enthält, erzeugen die Rinder Rindfleisch mit feiner Marmorierung, umami Aromatik und einem klaren, erfrischenden Abgang. Diese nachhaltige Praxis verkörpert Kagawa Engagement für Qualität, regionale Identität und kulinarische Verfeinerung.
